เทคนิคการแสดง: แนวทางแบบเมธอด (Method) และแบบดั้งเดิม (Classical)

โลกแห่งการแสดงนั้นเต็มไปด้วยแนวทางที่หลากหลาย ซึ่งแต่ละแนวทางก็นำเสนอเส้นทางที่ไม่เหมือนกันในการสวมบทบาทตัวละครและเล่าเรื่องราว ในบรรดาแนวทางที่โดดเด่นที่สุดคือการแสดงแบบเมธอด (Method acting) และการแสดงแบบดั้งเดิม (Classical acting) ซึ่งเป็นระเบียบวิธีที่แตกต่างกันและได้หล่อหลอมการแสดงที่เราเห็นบนเวทีและจอภาพยนตร์ทั่วโลก บทความนี้จะเปรียบเทียบเทคนิคทั้งสองอย่างครอบคลุม โดยสำรวจประวัติศาสตร์ หลักการ การประยุกต์ใช้ และข้อถกเถียงที่ยังคงมีอยู่เกี่ยวกับประสิทธิภาพของเทคนิคเหล่านี้ โดยมีจุดมุ่งหมายเพื่อให้นักแสดง ผู้กำกับ และผู้ที่ชื่นชอบการแสดงจากทุกมุมโลกมีความเข้าใจพื้นฐานเกี่ยวกับวิธีการแสดงที่สำคัญเหล่านี้

บริบททางประวัติศาสตร์และต้นกำเนิด

การแสดงแบบเมธอด: รากฐานจากสตานิสลาฟสกี้

การแสดงแบบเมธอด หรือที่มักเรียกสั้นๆ ว่า 'เดอะเมธอด' (the Method) มีต้นกำเนิดมาจาก 'ระบบ' (the System) ที่พัฒนาโดยคอนสแตนติน สตานิสลาฟสกี้ (Constantin Stanislavski) นักแสดงและผู้กำกับชาวรัสเซียในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 สตานิสลาฟสกี้ซึ่งไม่พอใจกับความตื้นเขินของรูปแบบการแสดงที่แพร่หลายในยุคนั้น ได้แสวงหาแนวทางที่สมจริงและสะท้อนอารมณ์ความรู้สึกได้มากกว่า เขาตั้งเป้าที่จะฝึกให้นักแสดงได้สัมผัสกับอารมณ์ที่แท้จริง โดยดึงเอาประสบการณ์และความทรงจำส่วนตัวมาใช้ในการแสดง ผลงานของเขาซึ่งได้รับการถ่ายทอดในหนังสืออย่าง "An Actor Prepares" และ "Building a Character" ได้วางรากฐานให้กับสิ่งที่จะกลายมาเป็นการแสดงแบบเมธอด

หลักการของสตานิสลาฟสกี้ได้รับการดัดแปลงและขัดเกลาในเวลาต่อมาโดยครูสอนการแสดงชาวอเมริกัน เช่น ลี สตราสเบิร์ก (Lee Strasberg), สเตลลา แอดเลอร์ (Stella Adler) และแซนฟอร์ด ไมส์เนอร์ (Sanford Meisner) สตราสเบิร์กเน้นเรื่องการระลึกถึงอารมณ์ (emotional recall) ซึ่งเป็นกระบวนการใช้ประสบการณ์ในอดีตเพื่อเข้าถึงและสร้างอารมณ์ของตัวละครขึ้นมาใหม่ แอดเลอร์ซึ่งเคยเรียนกับสตานิสลาฟสกี้โดยตรง สนับสนุนการใช้จินตนาการและการแสดงที่อิงตามเป้าหมาย ส่วนไมส์เนอร์ซึ่งเป็นที่รู้จักจาก 'เทคนิคไมส์เนอร์' (Meisner Technique) มุ่งเน้นไปที่การตอบสนองของนักแสดงต่อคู่แสดง โดยเน้นพฤติกรรมที่จริงแท้และเกิดขึ้นเองตามธรรมชาติ

การแสดงแบบดั้งเดิม: ประเพณีแห่งเทคนิค

ในทางกลับกัน การแสดงแบบดั้งเดิมมีสายธารย้อนกลับไปหลายศตวรรษ ครอบคลุมเทคนิคและประเพณีที่ได้รับการขัดเกลามาหลายชั่วอายุคน โดยเน้นการใช้เสียงที่ดังกังวาน การออกเสียงที่ชัดเจน การปรากฏตัวบนเวที และความเข้าใจในบริบททางประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมของบทละครหรือบทภาพยนตร์ การฝึกฝนแบบดั้งเดิมมักเกี่ยวข้องกับการฝึกฝนด้านเสียง การเคลื่อนไหว และการวิเคราะห์บทอย่างเข้มข้น เพื่อให้นักแสดงมีเครื่องมือในการแสดงบทบาทที่หลากหลาย ตั้งแต่โศกนาฏกรรมของเชกสเปียร์ไปจนถึงละครสมัยใหม่

การแสดงแบบดั้งเดิมให้ความสำคัญกับประสบการณ์ส่วนตัวของนักแสดงน้อยกว่า แต่จะเน้นที่การถ่ายทอดบทอย่างชำนาญและการสวมบุคลิกลักษณะและเจตนาของตัวละคร โดยให้คุณค่ากับเทคนิคภายนอก เช่น การควบคุมเสียงและการแสดงออกทางร่างกาย ในฐานะเครื่องมือสำคัญในการถ่ายทอดวิสัยทัศน์ของผู้เขียนบท การฝึกฝนการแสดงแบบดั้งเดิมมักพบได้ในสถาบันการแสดง มหาวิทยาลัย และโรงเรียนการแสดงทั่วโลก โดยเน้นย้ำถึงความเชี่ยวชาญทางเทคนิคเป็นอย่างมาก

หลักการและแนวปฏิบัติหลัก

การแสดงแบบเมธอด: การระลึกถึงอารมณ์และความจริงภายใน

• การระลึกถึงอารมณ์ (Emotional Recall): หลักการสำคัญนี้เกี่ยวข้องกับการดึงประสบการณ์ในอดีตของนักแสดงมาใช้เพื่อเข้าถึงและจำลองสภาวะทางอารมณ์ของตัวละคร นักแสดงจำเป็นต้องสำรวจประวัติทางอารมณ์ของตนเองและเชื่อมโยงเข้ากับสถานการณ์ของตัวละคร
• ความทรงจำทางอารมณ์ (Affective Memory): เป็นแนวคิดที่เกี่ยวข้องกัน โดยนำนักแสดงไปสู่พื้นที่ของความทรงจำที่เก็บไว้เพื่อสร้างอารมณ์ที่แท้จริงซึ่งสัมพันธ์กับบทขึ้นมาใหม่
• สถานการณ์ที่กำหนด (Given Circumstances): นักแสดงได้รับการสอนให้เข้าใจโลกของตัวละครอย่างถ่องแท้ รวมถึงความสัมพันธ์ สภาพแวดล้อม และเหตุการณ์ต่างๆ ที่หล่อหลอมชีวิตของตัวละคร
• เป้าหมาย (Objective): เป้าหมายของตัวละคร หรือสิ่งที่ตัวละครต้องการจะบรรลุ มีความสำคัญอย่างยิ่ง นักแสดงต้องระบุและมุ่งเน้นไปที่แรงผลักดันของตัวละครตลอดทั้งฉาก
• ความหมายแฝง (Subtext): การทำความเข้าใจความหมายและแรงจูงใจที่ไม่ได้พูดออกมาซึ่งซ่อนอยู่ภายใต้คำพูดและการกระทำของตัวละคร

ตัวอย่าง: ลองนึกถึงฉากที่ตัวละครกำลังโศกเศร้ากับการสูญเสียบุคคลอันเป็นที่รัก นักแสดงแบบเมธอดอาจเจาะลึกเข้าไปในประสบการณ์การสูญเสียของตนเอง เพื่อเข้าถึงความรู้สึกเศร้าโศก ความว่างเปล่า และความเปราะบาง เพื่อสร้างความสมจริงให้กับการแสดง

การแสดงแบบดั้งเดิม: ทักษะทางเทคนิคและการวิเคราะห์บท

• เทคนิคการใช้เสียง (Vocal Technique): การควบคุมลมหายใจที่เหมาะสม การเปล่งเสียง การออกเสียง และเสียงก้องกังวานเป็นสิ่งจำเป็นสำหรับการถ่ายทอดบทอย่างมีประสิทธิภาพ
• การปรากฏตัวทางกายภาพ (Physical Presence): นักแสดงเรียนรู้ที่จะใช้ร่างกายเพื่อแสดงออกถึงอารมณ์ เจตนา และลักษณะทางกายภาพของตัวละคร
• การวิเคราะห์บท (Text Analysis): ความเข้าใจอย่างลึกซึ้งในตัวบท รวมถึงภาษา จังหวะ และโครงสร้างของบทละคร เป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่ง
• การตีความตัวละคร (Character Interpretation): นักแสดงวิเคราะห์แรงจูงใจ ความสัมพันธ์ และเป้าหมายของตัวละครเพื่อตัดสินใจอย่างมีข้อมูลว่าจะแสดงบทบาทนั้นอย่างไร
• บริบททางประวัติศาสตร์ (Historical Context): ความรู้เกี่ยวกับยุคสมัยทางประวัติศาสตร์ บริบททางวัฒนธรรม และขนบของละครเป็นสิ่งสำคัญสำหรับการแสดงที่ละเอียดอ่อน

ตัวอย่าง: ในการแสดงบทละครของเชกสเปียร์ นักแสดงแบบดั้งเดิมจะมุ่งเน้นไปที่การถ่ายทอดบทกวีด้วยความชัดเจนและความเข้าใจ โดยใช้เสียงและร่างกายเพื่อสื่อถึงอารมณ์ของตัวละครและโครงเรื่องที่เข้มข้นของบทละคร

การประยุกต์ใช้และจุดแข็ง

การแสดงแบบเมธอด: การสร้างความลึกและความสมจริง

การแสดงแบบเมธอดมักได้รับการยกย่องในความสามารถในการสร้างการแสดงที่สมจริงและสะเทือนอารมณ์อย่างลึกซึ้ง ช่วยให้นักแสดงสามารถเชื่อมโยงกับตัวละครในระดับที่ลึกซึ้ง ทำให้การแสดงรู้สึกน่าเชื่อถือและเข้าถึงได้ถึงแก่น เทคนิคนี้จะมีประสิทธิภาพอย่างยิ่งในละครร่วมสมัยที่การสำรวจชีวิตภายในและอารมณ์ที่ซับซ้อนของตัวละครเป็นสิ่งสำคัญ

จุดแข็ง:

• ความสมจริงทางอารมณ์: ช่วยให้นักแสดงสามารถเข้าถึงอารมณ์ที่แท้จริง สร้างการแสดงที่สมจริง
• การพัฒนาตัวละคร: ส่งเสริมความเข้าใจอย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับสภาพจิตใจและแรงจูงใจของตัวละคร
• ประสบการณ์ที่ดื่มด่ำ: ช่วยให้เกิดการแสดงที่เข้มข้นและดื่มด่ำ ซึ่งสามารถสะกดผู้ชมได้

ตัวอย่าง: การแสดงของมาร์ลอน แบรนโด (Marlon Brando) ในเรื่อง "On the Waterfront" มักถูกยกให้เป็นตัวอย่างสำคัญของพลังของการแสดงแบบเมธอด การแสดงอารมณ์ดิบๆ ของเขาในบทเทอร์รี่ มัลลอย อดีตนักมวยที่กำลังต่อสู้กับมโนธรรมของตนเอง เป็นการแสดงที่ล้ำสมัยและทำให้เขาได้รับเสียงชื่นชมจากนักวิจารณ์

การแสดงแบบดั้งเดิม: ความหลากหลายและความแม่นยำ

การแสดงแบบดั้งเดิมนำเสนอรากฐานที่แข็งแกร่งทางเทคนิค ช่วยให้นักแสดงสามารถแสดงบทบาทได้หลากหลายด้วยความแม่นยำและทักษะ มีคุณค่าอย่างยิ่งสำหรับบทละครคลาสสิก ละครเพลง และการผลิตใดๆ ที่ต้องการการใช้เสียงที่ทรงพลัง การออกเสียงที่ชัดเจน และความเชี่ยวชาญด้านภาษา โดยเน้นที่ระเบียบวินัย ความแม่นยำ และการมุ่งเน้นไปที่บทละคร

จุดแข็ง:

• ความเชี่ยวชาญทางเทคนิค: มอบรากฐานที่มั่นคงในเทคนิคการใช้เสียงและร่างกาย
• ความชัดเจนของบท: เน้นความสำคัญของการทำความเข้าใจและการถ่ายทอดบท
• ความสามารถรอบด้าน: ช่วยให้นักแสดงสามารถแสดงบทบาทและแนวละครได้หลากหลาย

ตัวอย่าง: การแสดงของเซอร์ ลอเรนซ์ โอลิเวียร์ (Sir Laurence Olivier) ในบทละครของเชกสเปียร์ เช่น "Hamlet" และ "Richard III" เป็นตัวอย่างที่แสดงให้เห็นถึงพลังของการแสดงแบบดั้งเดิม ความสามารถในการใช้ภาษา การใช้เสียง และการปรากฏตัวบนเวทีของเขา ทำให้ตัวละครมีชีวิตขึ้นมาด้วยพลังและความประณีต

คำวิจารณ์และความท้าทาย

การแสดงแบบเมธอด: ความเหนื่อยล้าทางอารมณ์และอันตรายที่อาจเกิดขึ้น

การแสดงแบบเมธอดต้องเผชิญกับคำวิจารณ์ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเกี่ยวกับโอกาสที่จะเกิดความเหนื่อยล้าทางอารมณ์ ความทุกข์ทางจิตใจ และการเบลอขอบเขตระหว่างนักแสดงกับตัวละคร นักแสดงบางคนอาจจมอยู่กับบทบาทของตนมากเกินไป นำไปสู่ความยากลำบากในการแยกชีวิตส่วนตัวออกจากการแสดง

ความท้าทาย:

• ความเสี่ยงทางอารมณ์: นักแสดงต้องเผชิญหน้าและหวนนึกถึงอารมณ์ที่อาจเจ็บปวด
• การยึดติดกับตัวละครมากเกินไป: อาจนำไปสู่การสูญเสียมุมมองและความยากลำบากในการแยกตัวออกจากตัวละคร
• การพึ่งพิง: นักแสดงบางคนอาจพึ่งพาการระลึกถึงอารมณ์มากเกินไป

ตัวอย่าง: การเตรียมตัวที่เข้มข้นและความมุ่งมั่นทางอารมณ์ที่จำเป็นสำหรับการแสดงแบบเมธอด บางครั้งอาจนำไปสู่พฤติกรรมที่เป็นที่ถกเถียงทั้งในและนอกกองถ่าย ทำให้เกิดคำถามเกี่ยวกับสุขภาวะของนักแสดง

การแสดงแบบดั้งเดิม: โอกาสที่จะดูแข็งทื่อและขาดความเป็นธรรมชาติ

ในขณะที่การแสดงแบบดั้งเดิมให้คุณค่ากับเทคนิค แต่บางครั้งก็ถูกวิพากษ์วิจารณ์ว่าดูแข็งทื่อหรือขาดความเป็นธรรมชาติ การพึ่งพาเทคนิคมากเกินไปอาจนำไปสู่การแสดงที่มีความเชี่ยวชาญทางเทคนิคแต่ขาดการเชื่อมโยงทางอารมณ์ อาจเป็นเรื่องท้าทายที่จะสร้างความรู้สึกสดใหม่ให้กับบทละครคลาสสิกหากมุ่งเน้นไปที่องค์ประกอบภายนอกเพียงอย่างเดียว

ความท้าทาย:

• ความตายตัว: การเน้นเทคนิคมากเกินไปอาจขัดขวางความเป็นธรรมชาติและความสดใหม่
• การขาดการเชื่อมโยงทางอารมณ์: การมุ่งเน้นไปที่เทคนิคภายนอกอาจส่งผลให้ความลึกซึ้งทางอารมณ์ลดลง
• ความสามารถในการปรับตัว: อาจไม่สามารถปรับให้เข้ากับทุกแนวและสไตล์การแสดงได้ง่ายนัก

ตัวอย่าง: การแสดงแบบดั้งเดิมที่ทำได้ไม่ดีอาจฟังดูเหมือนการท่องบท โดยไม่มีความเชื่อมโยงที่แท้จริงกับความรู้สึกหรือเจตนาของตัวละคร

การหาจุดสมดุล: การผสมผสานเทคนิค

นักแสดงและครูสอนการแสดงจำนวนมากสนับสนุนแนวทางที่สมดุล โดยผสมผสานองค์ประกอบจากการแสดงแบบเมธอดและแบบดั้งเดิมเข้าด้วยกัน แนวทางนี้ช่วยให้นักแสดงสามารถใช้ประโยชน์จากจุดแข็งของแต่ละเทคนิคในขณะที่ลดจุดอ่อนลง นักแสดงที่มีความสามารถรอบด้านอาจใช้เทคนิคแบบเมธอดเพื่อสำรวจความลึกทางอารมณ์ของตัวละคร แล้วจึงใช้เทคนิคแบบดั้งเดิมเพื่อถ่ายทอดการแสดงด้วยความแม่นยำและชัดเจน

ประโยชน์ของการผสมผสาน:

• เพิ่มความสามารถรอบด้าน: ช่วยให้นักแสดงปรับแนวทางของตนให้เข้ากับบทบาทและแนวละครที่แตกต่างกันได้
• ความเข้าใจตัวละครที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้น: ผสมผสานการสำรวจทางอารมณ์เข้ากับการวิเคราะห์บท
• การแสดงที่สมบูรณ์แบบ: ส่งผลให้เกิดการแสดงที่ทั้งสะท้อนอารมณ์และมีความเชี่ยวชาญทางเทคนิค

ตัวอย่าง: นักแสดงที่กำลังเตรียมตัวสำหรับละครสมัยใหม่อาจใช้เทคนิคแบบเมธอดเพื่อเจาะลึกประวัติส่วนตัวและภูมิทัศน์ทางอารมณ์ของตัวละคร จากนั้น พวกเขาสามารถใช้เทคนิคแบบดั้งเดิมเพื่อควบคุมเสียงและการแสดงออกทางกายภาพเพื่อให้แน่ใจว่าการแสดงนั้นน่าดึงดูดและเข้าใจได้สำหรับผู้ชม แนวทางที่ผสมผสานนี้รวมความลึกซึ้งทางอารมณ์เข้ากับทักษะทางเทคนิค

มุมมองและตัวอย่างจากทั่วโลก

เทคนิคการแสดงและการฝึกฝนมีความแตกต่างกันอย่างมากทั่วโลก ในสหรัฐอเมริกา การแสดงแบบเมธอดมีอิทธิพลอย่างมากต่อการแสดงภาพยนตร์และละครเวที ในสหราชอาณาจักรมีการให้ความสำคัญอย่างมากกับการฝึกฝนแบบดั้งเดิม โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับการผลิตละครของเชกสเปียร์ ฝรั่งเศสมีประเพณีการละครที่หยั่งรากลึกทั้งในรูปแบบดั้งเดิมและร่วมสมัย และโรงเรียนการแสดงต่างๆ เช่น Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique (CNSAD) ก็มีการฝึกอบรมที่ครอบคลุมสำหรับนักแสดง ซึ่งมักจะรวมเอาวิธีการของนักแสดงและนักเขียนบทละครชาวฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่ เช่น ฌอง-หลุยส์ บาร์โรลต์ (Jean-Louis Barrault) เข้าไว้ด้วย

ในอินเดีย รูปแบบการแสดงแบบดั้งเดิม เช่น กถกฬิ (Kathakali) และภรตนาฏยัม (Bharatnatyam) ต้องใช้เวลาฝึกฝนอย่างเข้มงวดเป็นเวลาหลายปีในด้านการเต้นรำ ดนตรี และการเล่าเรื่อง โดยผสมผสานการแสดงออกทางร่างกาย การใช้เสียง และสัญลักษณ์ที่ซับซ้อน ในญี่ปุ่น ประเพณีละครโน (Noh) และคาบูกิ (Kabuki) ผสมผสานการเคลื่อนไหวที่มีสไตล์ เทคนิคการใช้เสียง และภาพสัญลักษณ์ การแสดงเหล่านี้เป็นตัวอย่างของเทคนิคที่มีโครงสร้างสูงซึ่งมุ่งเน้นไปที่แง่มุมภายนอกของการแสดง

ทั่วทั้งอเมริกาใต้ โรงเรียนละครและภาพยนตร์ได้รวมเอาวิธีการแสดงที่หลากหลาย โดยมักจะผสมผสานองค์ประกอบของแนวทางแบบเมธอดและแบบดั้งเดิมเข้ากับอิทธิพลของภูมิภาค ตัวอย่างเช่น การฝึกอบรมในอาร์เจนตินาอาจดึงเอาเทคนิคของทั้งสตานิสลาฟสกี้และไมส์เนอร์มาใช้ รวมถึงผสมผสานองค์ประกอบของการแสดงด้นสดและละครกายภาพ ซึ่งทั้งหมดนี้อาจแทรกซึมด้วยวัฒนธรรมท้องถิ่น

แนวทางที่หลากหลายเหล่านี้แสดงให้เห็นว่าไม่มีวิธีที่ 'ถูกต้อง' เพียงวิธีเดียวในการแสดง แต่นักแสดงที่มีประสิทธิภาพที่สุดมักจะเป็นผู้ที่สามารถดึงเอาเทคนิคที่หลากหลายมาใช้และปรับแนวทางของตนให้เข้ากับความต้องการของบทบาทและบริบทของการแสดง การตระหนักถึงความแตกต่างทางวัฒนธรรมและบริบททางประวัติศาสตร์ยิ่งช่วยยกระดับทักษะของนักแสดงระดับโลก

เคล็ดลับเชิงปฏิบัติสำหรับนักแสดง

• สำรวจทั้งสองเทคนิค: ทดลองกับการฝึกฝนทั้งแบบเมธอดและแบบดั้งเดิมเพื่อทำความเข้าใจจุดแข็งและจุดอ่อนของแต่ละแบบ
• เข้าเรียนในชั้นเรียนและเวิร์กช็อป: เข้าร่วมชั้นเรียนการแสดงและเวิร์กช็อปเพื่อเรียนรู้จากผู้สอนที่มีประสบการณ์ในเทคนิคต่างๆ
• ศึกษาจากปรมาจารย์: วิเคราะห์การแสดงของนักแสดงที่มีชื่อเสียงซึ่งประสบความสำเร็จในการใช้ทั้งแนวทางแบบเมธอดและแบบดั้งเดิม
• พัฒนากระบวนการของคุณเอง: ค้นหาเทคนิคที่สอดคล้องกับคุณและสร้างแนวทางการแสดงที่เป็นส่วนตัว
• ฝึกฝนอย่างสม่ำเสมอ: การฝึกฝนอย่างต่อเนื่องเป็นสิ่งจำเป็นสำหรับการพัฒนาทักษะและขัดเกลาเทคนิคของคุณ
• ขอคำติชม: รับฟังความคิดเห็นจากผู้กำกับ โค้ชการแสดง และเพื่อนนักแสดงเพื่อปรับปรุงการแสดงของคุณ
• ทำความเข้าใจบท: วิเคราะห์บทอย่างลึกซึ้ง รวมถึงเป้าหมายของตัวละครและบริบทของบทละคร
• ปรับตัวได้: ปรับแนวทางของคุณให้เข้ากับความต้องการของบทบาท ประเภท และบริบทการแสดงที่แตกต่างกัน
• ให้ความสำคัญกับสุขภาวะ: ดูแลสุขภาพจิตและอารมณ์ของคุณ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อต้องสำรวจบทบาทที่ต้องใช้อารมณ์สูง
• เรียนรู้อย่างต่อเนื่อง: โลกของการแสดงมีการเปลี่ยนแปลงอยู่เสมอ จงเรียนรู้และสำรวจเทคนิคใหม่ๆ ตลอดอาชีพการงานของคุณ

บทสรุป

การแสดงแบบเมธอดและแบบดั้งเดิมเป็นตัวแทนของสองแนวทางพื้นฐานของศิลปะการแสดง ซึ่งแต่ละแนวทางก็มีจุดแข็ง จุดอ่อน และความสำคัญทางประวัติศาสตร์ของตัวเอง โดยการทำความเข้าใจหลักการ แนวปฏิบัติ และข้อควรระวังของทั้งสองเทคนิค นักแสดงสามารถพัฒนาชุดทักษะที่รอบด้านและเพิ่มความสามารถในการสร้างการแสดงที่น่าสนใจและสมจริง นักแสดงที่ดีที่สุดไม่จำเป็นต้องเป็นผู้ที่ยึดมั่นในวิธีการใดวิธีการหนึ่งอย่างเคร่งครัด แต่คือผู้ที่สามารถผสมผสานแนวทางต่างๆ ได้อย่างชำนาญเพื่อตอบสนองความต้องการของตัวละคร บท และผู้ชม

ในขณะที่โลกของศิลปะการแสดงยังคงพัฒนาต่อไป แนวทางในการแสดงก็จะพัฒนาตามไปด้วย จงเปิดรับบทสนทนาที่ดำเนินอยู่ ทดลองกับวิธีการต่างๆ และอย่าหยุดที่จะเรียนรู้ การเดินทางของนักแสดงคือการแสวงหาการเติบโตทางศิลปะตลอดชีวิต และความรู้ที่ได้รับจากทั้งประเพณีแบบเมธอดและแบบดั้งเดิมก็เป็นรากฐานที่ทรงพลังสำหรับการเดินทางนั้น